RUMBEROS DE CUBA por Ramón Díaz

CHANO POZO
Rumberos, Tambores,folclóricos y bailadores afrocubanos .
" La rumba revuelve su música espesa con un palo" N Guillén

Los rumberos, bailadores y percusionistas han sido el sostén de la presencia africana en los espectáculos cubanos.Que influyeron a la música de diversas partes del mundo como el Jazz americano. Los comediantes del Teatro Bufo y después el Teatro Vernaculo fueron exelente rumberos y le dieron una escenificación al género, desde Covarrubias, Arquimides Pous,Sanabria, Garrido Arredondo hasta los mas recientes. Los especialistas afirman que la rumba es de origen africano con influencia española, la iniciaron los esclavos recién liberados inicialmente en zonas rurales, bateyes y caseríos entre La Habana y Matanzas. Sus referencias se encuentran desde los siglos XVIII y XIX hasta nuestros días. Proviene de diferentes orígenes africanos pero principalmente gangá bantú. Los hombres realizaban danzas acrobáticas de destreza y pugilísticas como la Columbia que toma su nombre del barrio de Columbia en Matanzas
En la ciudad de la Habana se registran en solares y vecindades en El Cerro, Carraguao, y 10 de Octubre. Algunos rumberos famosos tanto como tocadores como bailarines como Agustín Gutiérrez, Elías Arostegui, Silvestre Méndez, Juan Bosco Mesa, Pancho Quinto encabezaban agrupaciones populares como Los Roncos, El paso Franco, El Lugareño, Los rápidos, los fiñes (niños). Algunas voces emblemáticas como Carlos Embale, Los Muñequitos de Matanzas, Los Papines, el Goyo y su Afro-Cuba. Los compositores sinfónicos asimilaron estas tradiciones populares como Amadeo Roldan y García Caturla que dejó una obra titulada “Rumba”. El virtuosismo de los bailadores constituían retos como bailar equilibrando un vaso de ron en la cabeza agarrar el pañuelo en el piso con la boca y otras con verdadero riesgo como con dos cuchillos movidos a gran velocidad o puesto como espuelas de gallos en los talones. Simulan con pantomima un juego de base ball, o ponerle las herraduras a la bailarina o como si vinieran cabalgando este paso se llama “el caballito” es una danza muy masculina y de gran lucimiento. La parte catada comienza con la diana o lalaleo, influencia heredada del cante jondo. Se emplea las claves, tumbadoras o congas graves la prima y la segunda y el quinto que es quien “conversa” o los bongoes. La variante con timbales o pailas. También se utilizan cajones o gavetas de los armarios apoyado con dos cucharas o la guataca que es un azadón de metal. A esta forma se le llama “rumba de cajón”. El termino “rumba” se ha usado para definir una fiesta cubana, como “se fue de rumba” o “se formó la rumba”
Se definen tres tipos de rumbas: Una es el Guaguancó, el Yambú y otro la Columbia de Matanzas Cuba.La instrumentación para la rumba incluye tres tumbadoras La tumbadora también llamada conga es un tambor inventado en Cuba que, a diferencia de los africanos, tiene llaves; se puede afinar, y escribir partituras. Hoy en dia es usado en todo el mundo. Dos de los tambores, una es conocida como la tumbadora prima y el segundo o tres, marcan el ritmo básico; la tercera tumbadora llamada "quinto", que se afina más alto, es como un tenor se emplea para los golpes improvisados y los floreos dirigidos a los bailarines.


El primer intento de internacionalizar el baile de la rumba fue en 1913 llevado por Lew Quinn y Joan Sawyer quienes llevaron percusionistas a New York desde Cuba para bailar la rumba. (Archive Cuban Cultural Heritage Org)
En 1925 Benito Coalla abre el Club “El Chico” en Greenwich Village y se conviertió en un lugar de moda que dio oportunidad a los primeros artistas cubanos con las tardes de rumbantelas improvisadas donde se lucían algunos rumberos llegados del Caribe.
Pero es Xavier Cugat, con su orquesta en 1925 quien lanzó la música cubana en grande en Coconut Grove en los Ángeles y el Waldorf Astoria de New York. Ya en los años treinta Dezy Arnaz, quien como animador y cantante de la orquesta de Cugat, conquistó el publico americano que se extendió a Europapuso de moda bailar en fila agarrados todos de la cintura "conga line" y seguidamente Miguelito Valdés, Chano Pozo y varias parejas de baile de son, guarachas y rumbas. La incursión de Chano Pozo con la orquesta de Duke Elintong y la popularidad del número “Manteca” dirige las miradas hacia los recién llegados artistas cubanos. En las trasmisiones de radio en español que conducía Eusebia Cosme los temas cubanos despiertan atención. Sin embargo dos noticias escandalosas empañaron esta etapa primero el asesinato de Chano Pozo en el barrio de Harlem y un poco después al crimen de la pareja de bailes “Los diamantes negros” Pablito y Lilón ya que él alucinado por los celos, mató a su compañera y se auto disparó quedando los olanes de la rumba ensangrentados en el Latín Paladium de New York. Debido a la cobertura de la prensa se detonó unas persecuciones y redadas contra cubanos inmigrantes.
Y continuó una difícil situación que me narraron Mongo Santamaría y Marcelino Guerra, Ranpinday, en su casa de la calle Colombus en New York. Algunos tuvieron que regresarse a la isla otros se quedaron enfrentando las visicitudes hasta que el tiempo les dio un lugar para sotener sus carreras.

Rumberas populares

Son las que bailan la rumba autentica sin coreografías escénicas, surgida en los patios de las vecindades en festejos patronales y en los días de carnaval, esta danza no se baila erguida sino con las piernas semidobladas sosteniendo el ritmo y provocando con la falda o con una pañueleta en el cuello.
Fueron artistas populares no profesionales en el sentido comercial, que mantuvieron la tradición pero algunas fueron muy famosas y tuvieron muchos seguidores.
Estanilá Luna: Pertenece a las rumberas autenticas, hizo pareja con José Rosario Oviedo el enigmático “Malanga” y se presentaron en el Eden Concert y en el Chateau Madrid de New York. En los teatros Fausto y América. En viejas reseñas del Hotel Nacional aparecen como Tani y Chayo que bailaron en banquetes ofrecidos en sus jardines para un evento de la Cuban Telephone Company y otros del Rotary Club.
La Tani como pareja con Malanga aparece en el diario La Marina (1925) reseñando su actuación en los Carnavales de la Habana. Con esta misma pareja actúan en el Chateau Madrid.Hasta el año 27 que mataron a Malanga.
Manuela Alonso: Fue una eminencia del folclore cubano, rumbera típica, y cantante, no se enojaba cuando le decían en confianza “cara de caballo”, reconocida en los desfiles de carnaval habanero, aparece en la película “Mulata” y “Ecue Yambao” al lado de Ninón Sevilla a quien asesoró en la danza de Yemayá. Integró en la etapa fundacional del Conjunto Folclórico Nacional.
Estela Rodríguez: Le decían la China. Hermana del músico Arsenio Rodríguez. Muchos investigadores la consideran la mejor rumbera del espectáculo musical cubano de su época, comienza a destacarse en el Edén Concert y pasa a la primera etapa de Tropicana acompañada por el ritmo de Chano Pozo. Primeramente con su compañero Rene y al fallecer este Bailó preferiblemente de solista y a veces con diversas parejas ocasionales. En New York acaparó la atención a finales de los años cuarenta y puede verse en algunas películas norteamericanas de esta época, respaldada por las orquestas de Arsenio Rodríguez y Xavier Cugat. En España se suma a las presentaciones de los Lecuona Cubans Boy, acompañada por Armando Orefiche, al piano en una mítica versión de Andalucía de Ernesto Lecuona, en tiempo de rumba de la cual todavía se recuerda. Continuó otras actuaciones con otras orquestas en México y Sur América. Estela aparece en varias fotos junto a Rita Montaner y con Ernesto Lecuona. (Revista Bohemia)
Estela Álvarez: Fue una virtuosa bailarina de hermosa presencia. Realizan una gira en diferentes ciudades de Estados Unidos y en México. En el cabaret Montmarte presenta con el trío conformado por ella con Litico Rodríguez y Mario quienes también actuaron en New York y otras ciudades norteamericanas.
Mayda Limonta: Actriz vedette y rumbera. Comenzó como modelo, fue la primera dama de honor negra en la corte de las reina del carnaval de 1960, hasta que se destacó integrándose a las revistas musicales de los centros nocturnos y televisión, actuó en diversas películas cubanas y extranjeras. En 1962 debutó en el cine en la película cubano checoslovaca “Para quien baila la Habana” de Vladimir Cech. Formó parte del teatro musical de la Habana donde conformó pareja con el bailarín José Chávez. En 1984 integró el espectáculo “Tropicana” que se presentó en el cabaret del hotel del Prado en la ciudad México estelarizado por Rosita Fornes. En 1967 se destacó en “Aventuras de Juan Quinquin” de García Espinosa. En 1982 actuó en la película “Cecilia” dirigida por Humberto Solas. Intervino en varias películas europeas y se integró a su show en Madrid, Barcelona y en México.


Chano Pozo: José Luciano Pozo. Nació, en la ciudad de La Habana. el 7 de Enero de 1915, muy cerca de la Loma de los Catalanes, donde está hoy la Plaza de la Revolución, en el barrio marginal de La Timba. Chano vivió una infancia difícil, entre la miseria más cruel pero con la protección de los dioses de la santería yoruba. Una de las figuras mas importantes en la música cubana, que apoyó los shows del comienzo de Tropicana, de Víctor Correa, llevando los cantos afros al espectáculo “Congo Pantera”, trabajaba con Trinidad Terregosa, Mongo Santamaría y Silvestre Méndez y otros percusionistas. Podía tocar seis tambores de congas al mismo tiempo. Con una gran capacidad para la improvisación. Apoyó con su ritmo a las actuaciones de los bailadores flamencos como los Amaya que llevaron a España la “rumba flamenca” y que recreó el gran cantaó El Gato Pérez. En 1941 orientaba la comparsa de “Los Dandys” en el carnaval habanero, y es el autor de “...siento un bombo, mamita me esta llamando” allí conoce a Tata Guines . En 1947 ostentaba sus prendas y dientes de oro cadenas, anillos, y se lucia rodeado de hermosas mulatas. Una de ellas, la bellísima bailarina Caridad Martínez La Cacha. En Estados Unidos llegó con la orquesta Habana Casino, con Leonardo Timor como director, se vinculó con los grandes del jazz como Dizzy Gilliespie e ingresó en la orquesta de Duke Ellintong. El propio Gillespie lo llevó por primera vez al Carnegie Hall con su orquesta para acompañar a Ella Fitzgerald. Los musicólogos afirman que influyó en todo el jazz americano por medio de esta agrupación. En apenas dos años revolucionó el jazz americano. Se presenta en el Town Hall. Bailaba la rumba sobre todo en una tonalidad, muy rápida, llamada la jiribilla y teniendo como compañero a su propio tambor al cual hacia girar. En 1940 su espectáculo en New York se llamaba “Rumba Loca” y se propaga por la ciudad acompañado de su amigo inseparable desde el barrio, el cantante Miguelito Valdés. Compuso “Manteca” y “Nague” Tuvo una muerte trágica balaceado en el barrio de Harlem las especulaciones y la leyenda se trenza con la verdad. Los periódicos de New York reseñan su crimen. Murió el 3 de diciembre de 1948 cuando sólo contaba con 32 años de edad siete disparos acabaron con su vida, a manos del puertorriqueño Eusebio Muñoz, El Cabito, en el Río Café de la avenida Lennox, en Harlem. En la calle Lennox, entre la 111 y la 112. Era víspera de Santa Bárbara y la leyenda dice que una deuda con el santo fue lo ocasionó su tragedia.
Malanga: Rumbero legendario y precursor. Su verdadero nombre fue José Rosario Oviedo identificado con el poblado de Unión de Reyes en Matanzas. Nació el 5 de octubre de 1885 en el Ingenio “La Esperanza”, del partido de Alfonso XII en Alacranes, su madre la esclava Funciana Oviedo era propiedad de los herederos de Esteban Santa Cruz de Oviedo, fue bautizado el 29 de noviembre de 1885 en la iglesia parroquial de San francisco de Paula de Alacranes como “hijo de padre no conocido” y apadrinado por su abuelo materno. Los testigos afirman que fue el primero que empezó a bailar con cuchillos y arcos de barriles. Se amarraba un pañuelo en las piernas, también bailaba sones y danzones pero la rumba era su preferida y como pareja la rumbera Aguedita Álvarez que lo acompañaba…También tocaba los tambores y sobre todo bailaba espléndidamente por lo que fue solicitado en fiestas y espectáculos en las ferias y verbenas matanceras. Fue utilizado por el Partido Liberal para amenizar sus campañas empleando las congas y comparsas. Se hizo famoso en la Habana, en Morón Florida y Ciego de Ávila, por su rapidez y destreza trenzaba con los pies múltiples figuras. Bailaba siempre con un pañuelo rojo con el que expresaba diversos motivos. Aportaba a la personalidad del rumbero vestido de blanco impecable. Camisolas de olanes que batía como alas de gallo en furia. Bailó con diversas rumberas célebres, pero su momento esperado era la Columbia. Ha quedado como leyenda en el conocido guaguancó que dice: “Unión de Reyes llora a su timbero mayor, Que vino regando flores desde Matanzas a Morón...”.
Malanga ocupa un sitio de oro entre los rumberos famosos. Su recuerdo perdura entre realidad y leyenda pese a que no dejó imagen grafica pues rehusaba retratarse. Falleció de manera misteriosa en Agosto de 1927 se especula que le echaron algo en su bebida.


Pablo Roche Cañal: El legendario tamboreros "Akilakuá", considerado el más grande tocador de tambores batá de Cuba en todas las épocas toco junto a Mario Aspirina Considerado uno de los mas grandes alaña desde La Habana a Matanzas en la década de los años 30. Con ascendencia proveniente de varios grupos étnicos de África, nieto de cuatro abuelos africanos, que comprenden yoruba, arará, y bantú influyó en otros grandes maestros percusionista como Trinidad Torregosa, como “Brazo fuerte”, Roncona, Silvestre, Chiquitico, Chambas, El Niño Aguedo Morales y Jesús Pérez.. Él representa la tercera generación en Cuba de una familia de alaña que probablemente procede de otras generaciones re¬motas de tamboreros que se especializaron en ese sacerdocio allá en África. En relación con el compositor Giberto Valdés que incorporó estos instrumentos a la música no religiosa.
Faustino Drake: Rumbero matancero contemporáneo del mencionado Malanga, tocaba tanto en tambores de piel como en cajones y cucharas. Le llamaban “el quinto” y vivió mucho mas como para poder contar el inicio de la rumba.
Pepe Serna: Timbalero, natural de Bolondrón y rumbero blanco del Teatro Alhambra, también bailaba con una imagen esbelta de rumbero con camisolas de olanes que batía como alas de gallo en furia. Llevo a Malanga al teatro Alambra provocando el asombro del publico, pero afirma que a él no le gustaba bailar encerrado, la rumba que le salía era de improvisar, sacar pasos nuevos, bailar al aire libre…”.
Trinidad Torregosa: Percusionista. Vecino del barrio de Jesús María participó desde niños en todo lo que fueron rumbas y comparsas del carnaval. Muy vinculado a Çhano Pozo. Fue informante y de los fundadores del Conjunto Folclórico Nacional con el que viajó a Europa. Percusionista de Tropicana, junto con otros tamboreros de su familia, estuvo tocando en las conferencia de Don Fernando Ortiz sobre folclor cubano, , y trabajó como informante en sus libros de folclore, y enseñó a otros dejando un valioso legado.
Tata Guines:
Nació en Guines en 1930. Arístides Soto es su verdadero nombre. Uno de los mas grandes percusionistas de la música cubana, desde los diez años tocaba con el grupo Ases del Ritmo. En la Habana lucha por abrirse paso y residía en el barrio de Las Yaguas. En 1952 tiene su oportunidad con “Fajardo y sus estrellas” con el cual realiza grabaciones y viaja a Venezuela. En 1957 llega a New York contratado por el hotel Wardolf Astoria donde es reconocido por ser un percusionista virtuoso y recoge la tradición de Chano Pozo. En 1959 regresa a Cuba y aparece estelarmente en el show del Habana Libre, se une al Jazz Latino junto a Frank Emilio y otros músicos. Crea su propia orquesta. Exitoso en los carnavales siempre será recordado por “El Perico esta llorando”.
“ Si yo llego a saber que el perico era sordo...no paro el tren..”
Luis Chacon Mendivel: (Aspirina) Proviene de una dinastía rumbera de los poblados de Regla y Guanabacoa. Nacio el 16 de Marzo de 1939
Se destacó en la orquesta de Enrique Jorrin. Fue miembro del Conjunto Folclórico Nacional después se independizó y creo su propio grupo llamado Alafia Ire . Ha actuado en teatros y en centros nocturnos, en el Capri, Salón Copa del Riviera. Ha realizado grabaciones y se ha dedicado a la pedagogía artística. La familia del "Aspirinas" de Guanabacoa es la más famosa familia de rumberos de La Habana, desde los años 1940.
El Chori: Peculiar percusionista que se hizo famoso en el cabaret “El Niche” en la Playa de Marianao. En 1940 encabezaba la percusión de la comparsa El Alacrán .Tambores Batá, tambor Yuca y cajas con flejes, cascos de coco con los cuales lograba una expresividad especial. El mismo se anunciaba firmando con tiza las paredes de la ciudad. “El Chori” Fue el primero en incorporar tambores religiosos al espectáculo. Visitado por Marlon Brando, Errol Flynn, Sartre, la princesa Soraya y múltiples personalidades que visitaban La Habana, provocando el asombro de los espectadores.
Mongo Santamaría. Nació en el barrio de Jesús María en la Habana el 7 de abril de 1922.Nieto de esclavos, había crecido donde nacieron grandes percusionistas. Bullicioso y ritmático es en su ambiente natural aprendió de tambores y cantos africanos, rituales religiosos afrocubanos y fiestas callejeras y del solar" con su mentor, el celebérrimo Chano Pozo. Esos recuerdos seguramente motivaron su frase afortunada: "La belleza del toque de tambor es el sentimiento de piel sobre piel". Cuando viajaba con Pérez Prado en la frontera de México, sufrieron un grave accidente donde murió la bailarina Celia Romero". Mongo quedó herido de la cadera y la pierna y abandonado en el sur de los Estados Unidos sin saber inglés. Fueron tiempo dificilísimos.Trabajó con el Conjunto Camacho. Luego se le contrató en los grandes centros nocturnos como el Tropicana, el Sans Souci y otros cabaret de la capital habanera. Después de la experiencia de grabar con Pérez Prado en La Habana, Santamaría se lanzó a la aventura con Armando Peraza por la ciudad de México. En 1949 fueron a los Estados Unidos. Consiguieron trabajo para una revista de variedades en el Teatro Hispano, donde bailaban Pablito y Lilón que fueron bautizados como "Los diamantes negros cubanos" de nuevo la tragedia de los bailarines interrumpe el éxito.
Esteban Lantri: Conocido popularmente como Saldigueras .Un rumbero muy respetado de Matanzas, cantaba en los Muñequitos de Matanzas y luego creó su propio grupo. Excelente improvisador y en cantos de puya. Ha participado en grabaciones dedicadas al tema de la rumba.
Celeste Mendoza: La reina del Guaguancó. Nació en Santiago de Cuba el 6 de Abril de 1930. La reina del guaguancó, comenzó como bailarina en se convirtió en cantante de rumba y guaguancó se presentaba en el cabaret Sierra, después en el Alí Bar y finalmente en el Capri. En tiempo de guaguancó sus éxitos han sido “Soy tan feliz” “Que me castigue Dios”. En el cine en la película “Nosotros la música”.Se convirtió en la mas brillante estrella de los años sesenta. Su identificación con el pueblo de Cuba fue arrollador. Ha actuado en Puerto Rico, Venezuela, Panamá y otras naciones. Integró el espectáculo Music Hall que viajo a Paris al Teatro Olimpia, su presencia en Paris conmovió a la prensa del espectáculo por su imponente dominio escénico. Dejó grabado varios discos con el grupo de percusión Los Papines “Mayeya”, “No la lloren”, “Papa Oggun”.Falleció en La Habana en 1998
El Pícaro: Su verdadero nombre Evaristo Aparicio realizó intensas actividades entre los tambores. Verdadero timbero mayor tanto en los solares y vecindades como con las orquestas profesionales. Conocimos al Pícaro acompañándonos junto a Fusté y a Puchito en el espectáculo “Gestos de Cuba” en la sala teatro Hubert de Blanck. Dominaba los toques de origen yoruba y los del bantù. Un artista de gran talla en la percusión.
Alberto Morgan:
Una figura versátil como actor, bailarín, coreógrafo de los fundadores del Conjunto Folclórico Nacional, en 1964, que se destaca como actor en la emblemática película “Soy Cuba”. Y como bailarín del conjunto folclórico sobre todo en el papel de Babalu Aye con el cual viajó a diversos países de Europa, y el Oggún, en la ya clásica Suite Yoruba, de Danza Nacional de Cuba con la coreografía de Ramiro Guerra, se integra al cuarteto Los D´ Enríquez en largas temporadas en Tropicana estrena el personaje del viejo veterano “El Cimarrón” con el Teatro de Pantomima de Cuba. Finalmente integra como actor el elenco de la compañía repertorio Español de New York donde aparece en numerosas obras como “Y se armó la Mojiganga”, “Cuentos Afro-Caribeños”, “Crónica de una muerte anunciada”, “La cándida Eréndida” y “Serenata Dominicana” por el que fue nominado a un Premio ACE. Actualmente forma parte del elenco en obras como “La Fiesta del Chivo” y “Ana en el trópico”. Alberto Morgan es otra figura imprescindible del arte afro cubano.
Juan de Dios Ramos: "EL Colo": Folclorista, bailarín, corógrafo y cantante. Nació el 8 de Marzo de 1935. Fue de los fundadores del Conjunto Folclórico Nacional director de la agrupación Raíces Profundas asesoró y monto todo lo afro cubano en la puesta de María La O que dirigió Nelson Dorr con el Estudio Lírico de Alina Sánchez.
Armando Valdés: Rumbero e interprete de música folclórica afro cubana apodado “loquillo”. Nació el 30 de Noviembre de 1943. Ha participado de momentos importantes en las expresiones populares tales como los carnavales tanto de La Habana como de Matanzas.
NIEVES FRESNEDA

Nieves Fresneda: Figura cimera y emblemática del folclor afro cubano. Cantante, bailarina y profesora. Informante de Fernando Ortiz, de Rómulo Lachatañare,Lidia Cabrera y otros escritores e investigadores. Cantó toda la música del ballet “Suite Yoruba” de Ramiro Guerra que después lo llevo al cine José Massip en “Historia de un ballet”. Bailadora de rumba junto a los grandes. Pero lo que la ha hecho inolvidable su interpretación de la danza de Yemayá,que puso de pie el publico de muchos países, a la cual que le dio la misma grandeza que podrían tener los grandes interpretaciones del teatro kabuki japonés o los inolvidables del flamenco. Esta artista fue una verdadera reina cultivando el Arte Folclórico que podria compararsele con Carmen Amaya. Bailó en New York, en Paris, Madrid y las más importantes capitales del mundo. La escritora Nancy Morejón deja un hermoso poema “Elogio a Nieve Fresneda” que ha sido musicalizado por el Goyo Hernández.
Jesús Pérez:(Obba Ilú): Célebre percusionista y Ulú batá. Nació en La Habana en 1915.Comenzó bajo la tutela del experto Pablo Roche. Junto a Trinidad Terregosa y Chano Pozo abrieron los secretos de los tambores bata hacia la música en general. Tocó en la primera conferencia sobre música yoruba que ofreció el Dr. Fernando Ortiz en la Biblioteca Nacional, con Merceditas Valdés en el grupo Isupo Irawo Integró el Conjunto Folclórico Nacional y ha sido informante de las raíces étnicas afrocubana. Luego trabajó con el Conjunto de Danza Nacional orientado por Ramiro Guerra. Acompaño la Suite Yoruba y “El Cimarrón” de M. Barnet obra que dirigi y donde tuve el gusto de compartir con él y fue en su aña donde puese mi lery. De su alianza con el compositor Sergio Vitier quedaron importantes grabaciones.
Johanes García: Corógrafo, bailarín folclórico quien fue notable primera figura en el Conjunto Folclórico Nacional de Cuba, que se ha presentado en todos los continentes y ha actuado en los más importantes prestigiosos teatros y festivales del mundo. Creo y dirige La Compañía de Danzas Folclórica J. J. con quienes ha participado en los famosos Festivales de la Ciudad de México, Estivales de Perpignan y Romerías de Palermo, así como en los Teatros Chaillot de París y Vaison la Romaine de Avignon. Ha sido uno de los mas destacados en el baile de Chango y ha interpretado el personaje del veterano en “Por Cimarron” basado en la novela de Miguel Barnet.
Alberto Zayas: Autor e intérprete de rumba. Nació en Matanzas, 14 de febrero de 1908 Su familia se trasladó para La Habana cuando el artista contaba con un año de edad. Catorce años después comenzó a cantar. Integró el Septeto Habanero y otras agrupaciones soneras. Dirigió una agrupación folklórica con la cual grabó algunos discos. Se presentó en Teatros y en programas radiales.Viajó a actuando en varias naciones. Autor de los conocidos guaguancó "El Vive bien", "Se corrió la cocinera" (rumba), "Que me critiquen (yambú), "Ya no tengo amigos", "Mayarí monte adentro"(son); Trabajó como informante y músico de temas del folklore junto a Fernando Ortiz. Falleció en Guanabacoa, 1983.
Rogelio Martínez Furé: Escritor y cantante. Asesor del Conjunto Folclórico Nacional y de las obras del Teatro Guiñol como “Changó de Ima” e “Ibeyi aña” entre otras. Ha publicado una versión al español de la poesía yoruba.
"El Goyo": Gregorio Hernández Ríos: Percusionista bailarín y cantante de la música afro cubana. Nació el 17 de noviembre de 1936. Es de los fundadores del Conjunto Folclórico Nacional y participó en todos los espectáculos de dicha compañía. Ha hecho labor pedagógica y dirige su propio grupo. Viajó a diferentes naciones mostrando las raíces africanas de la música y la danza cubana.
Rolando Espinosa: Destacado rumbero bailarín del los espectáculos de cabaret. Tuvo diversas parejas de baile. (Ver parejas Anisia y Rolando) Comenzó su carrera desde muy joven. Nació en el barrio de los Sitios el 25 de Marzo de 1925, desde niño participo en la constante rumbantela de este barrio habanero, fue un activo participante de los carnavales, fue admirado por su destreza y rapidez, tomo elementos del baile jazzistico americano, bailó con las divas Elena Burke, Omara Portuondo y Vilma Valle antes de que estas fuera estrellas de la canción romántica. Sus números mas populares “Cumbanchero” y “Rumba Caliente” en Tropicana y prácticamente todos los escenarios de Cuba, pero era fácil encontrarlo en las rumbas del barrio y en los toques de santo. El 21 de noviembre del 2004 Rolando Espinosa falleció dejando una estela de recuerdos.
Kiko Mendive: Cecilio Francisco Mendive Pereira: Se destaca en México en el momento de esplendor de la música cubana. Aparece en las películas bailando con diversas rumberas. Fue un compositor, músico, actor y bailarín cubano-venezolano nacido el 22 de noviembre de 1919 en el barrio habanero de Los Sitios. Hacia 1939 fue uno de los fundadores del Sexteto Caribe donde se desenvuelve como cantante animador y bailarín. Participó en la orquesta de Dámaso Pérez Prado, a quien no solo ayudó a entrar en el mundo del espectáculo, sino que además fue quien lo convenció de salir de Cuba a probar suerte en México, compartiendo con Benny More, y Silvestre Méndez en exitosas actuaciones. en la radio en la XEQ logra su orquesta Tropical de Kiko Mendive, la cual aparece en el cine mexicano de los cuarentas. Famoso en Venezuela como comediante se popularizó en la televisión con en el programa "Media Jarra Musical" y “El Show de las Doce”
Pello “El Afrokan” Rumbero y percusionista, tocó la congas en diversos grupos de rumba. Bien conocido en el ambiente carnavalesco. Desde muy niño comenzó con sus tambores y se presentó en le Teatro Martí junto a sus hermanos. Su verdadero nombre es Pedro Izquierdo. Nació en La Habana el 7 de Enero de 1933. Creó el ritmo “Mozambique” combinando varias formas rítmicas brasileras y cubanas sus obras mas conocidas son “Maria Caracoles” “Camina como cómico”, “Ileana quiere chocolate”. Viajo a New York, Paris, Madrid, Moscú y diversas ciudades de Europa. Director artístico de la producción del Parisién del hotel Nacional. El Afrokan acaparó la atención de los años sesenta y setenta divirtiendo a los bailadores de todas las edades.
Lázaro Ross: Cantante de música de origen yoruba ( Apkwon). Nació en La Habana en 1925. Fundador del Conjunto Folclórico Nacional, también dramaturgo, autor de la obra “El Alafín de Oyó” entre otras, piezas de tema afrocubano. Dejó grabado una valiosa colección de cantos inéditos para la colección Abbilona. Se sumó al proyecto experimental del Grupo Síntesis y de el grupo Mezcla. .Condecorado con la orden de la Cultura Nacional, nominado varias veces al premio Granmy. Actuó en las principales plazas de Europa, América Latina y Estados Unidos.
Papo Angarica: Es hijo del célebre Nicolás Angarica, figura de la música y la religión yoruba escritor de importantes investigaciones como el “Manual del Oriate”. La labor de Papo Angarica es importantísima en la rumba y en la percusión ha participado de diversas revistas musicales con Joaquín M. Condall .Nacido en el barrio de Jesús María y en el solar llamado Puerto Nuevo, conoció a Jesús Pérez y a los mas importantes tamboreros de Cuba. Ha realizado importantes grabaciones de diversos ritmos afrocubanos. Su disco Ozun Lozun es determinante en este tema También ejerce la enseñanza de los ritmos de percusión.
Jesús y Justo Pelladito: Rumberos cantantes del Conjunto Folclórico Nacional. Conocedor de los ritmos afrocubanos y de las expresiones mas antiguas de la fiesta rumbera. La musica folclórica le llega por legado familiar
Dionisio Pau Palma: Bailarín. Comienza en 1975. Excelente rumbero graduado en Danza de la Escuela Nacional de Arte. Ingresa en 1982 en el Conjunto Folclórico Nacional. Realiza actividades pedagógicas en la enseñanza de las danzas populares. Una forma muy humorística de bailar evoca a un juego de base ball y otras estampas, sorprendente en el bacunao a la forma del mítico Malanga.
Ricardo Gómez Santa Cruz: Considerado un brillante rumbero, bailarín ligero en la columbia. También canta y toca la percusión. De figura delgada y esbelta Santa Cruz ha sido un creador en este baile. Fue miembro fundador del Conjunto Folclórico Nacional. Estuvo presente en las más importantes comparsas del carnaval y ha realizado una labor pedagógica enseñando a nuevos rumberos. Viajò a Europa despertando grandes aplausos por su rapidez en el escenario.
Roberto Maza: (El vive bien) rumbero de Matanzas y la Habana. Gran improvisador en el yambú y el guaguancó. Ha participado con muchos grupos de rumba y finalmente encabezó su grupo. Aparece en diversas grabaciones. “Maria la O Kuenda” “ Aquí entre las flores”
Mario Bauzá: Destacado rumbero percusionista con una extraordinaria memoria de cantos antiguos como “Yimbolo” “Ekue Andó” “Maria la O Kuenda”. Heredó cantos y toques casi olvidados que ha actualizado.
Frank Grillo: Trabajó con los Muñequitos de Matanzas y otras agrupaciones. Domina todos los ritmos afros. Participa de importantes grabaciones de la percusión cubana. Se integró a revistas de espectáculos en centros nocturnos.
Miguel Angá Díaz: Formó parte de la rumbantela, comenzando desde muy niño y se convierte en el rey de los ritmos afrocubanos cuando es miembro del Grupo Irakere el más destacado de las últimas generaciones. Y fue considerado el mejor percusionista del mundo con solos explosivos dominando cinco tumbadoras a la vez. Despertó asombro por sus virtuosismos. Vinculado al movimiento llamado Timba-Jaz, con el jazz experimental con Steve Coleman y con el Grupo Orichas .Obtuvo fama mundial y falleció sorpresivamente a los 46 años en Barcelona.
Carlos Embale Los Muñequitos de Matanzas
Los Muñequitos de Matanzas: Se fundó en 1956 por Florencio Calle, en la ciudad de Matanzas, seguido por Gregorio Díaz y Ricardo Cané, e Israel Barriel y más tarde con la voz de Carlos Embale. Han grabado múltiples discos y se han presentado en importantes ciudades del mundo. Han cultivado las diversas variantes de la rumba y han dejado un importantísimo testimonio grabado para la posteridad. Es una agrupación que merece mención honorífica cuando se trata el fenómeno de la rumba.
Los Papines: Se fundó en 1957 como Papin y sus Rumberos. Encabezado por el pecursionista Ricardo Abreus, Nacido el 19 de diciembre de 1933, con el cual actuaba en el Cabaret Tropicana y otros escenarios, e integró además los conjuntos Modelo, Estrellas de Chocolate y el de Félix Chapotín. En 1959, creó Los Papines junto a sus tres hermanos Luís, Alfredo y Jesús. Grabaron sus primeros discos. Ofrecieron un espectáculo único con sus tambores y bailan con las congas y cantan la rumba y el guaguancó. Grabaron un disco junto con la célebre Celeste Mendoza y otro con la dirección de voces de Luís Carbonell. Han viajaron por las mas importantes ciudades del mundo, Francia España, Estados Unidos, México, Unión Soviética. En su acto se combina el toque de tambores con la coreografía y el canto, heredando la tradición de Chano Pozo. Su nueva descendencia se ha incorporado al mundo de la rumba y se han presentado como “Los Papinitos” obteniendo éxitos nuevamente. Con la desaparición de Alfredo se sumaron los percusioncitas Luís Abreus Chantres, hijo de Luís y la bailarina Cary Chantres , y la primera incursión femenina Yuliet Abreus Fernández, hija de Jesús Abreu
Los Hermanos Bravo:Percusionistas que cantan a estilo de las congas del carnaval de Santiago de Cuba. Interpretaban boleros y guarachas pero el público prefirió el tumbao de Cocoyé y Paso Franco regidos por el bombo. Juan, Félix y Tony Bravo con la base de Marcos Barnet conocido como Marquitos llevando el bombo. “Hasta Santiago a pie”, Tírala por el balcón” “ La batea” de Tony Taño. Para el final de los años 80 habían viajado los 58 países de escalonamiento incluyendo Los Estados Unidos, Canadá, México, Jamaica, España, Francia, Japón, Italia, y todos los países de Europa del Este. Problemas de salud afectaron a este grupo, pero sus herederos continuaron reapareciendo su ritmo tradicional.
Lasa nuevas generaciones han dado continuidad a LA RUMBA, nuevos rumberos coinciden con el rap y el regueaton que tiene elementos rumberos. Recientmente es dclarado Patrimonio Nacional la rumba liberadora inspiradora levanta los muertos como la leyenda de Papa Montero

EL ARTE DEL MIMO por Ramón Díaz

El Arte de la pantomima
La Pantomima, que es un arte muy antiguo es una representación dramática, basada en la acción teatral, sin emplear los diálogos, que puede ser tanto dramática o de comedia.

El Mimo traduce el tema por intermedio de las intensiones y actitudes, empleando el juego corporal y construyendo imágenes, enriquece la gestualidad cada acción se transforma en un signo que es reconocido por el público de nuestra sociedad.

Es el estudio de la conducta del hombre y es necesario el conocimiento de la vida, la juventud y la madurez del cuerpo, el resplandor de la sátira y del símbolo, la perfecta identificación con el mundo exterior, los elementos, las plantas, los personajes, los animales etc. Y sobre todo la elección de una estética al servicio del pensamiento y de la acción.

La Pantomima moderna, acabó siendo un a arte puramente sin palabras, donde el significado es trasmitido solamente a través de l as acciones y gestos, el movimiento y la expresión corporal. Adquirió el rango de gran arte en el siglo XIX gracias al actor eslavo francés Jean Gaspard Deburau, que refinó los rasgos de un temprano personaje de la comedia dell’arte y creó a partir de él a Pierrot. En el siglo XX, un maestro francés, Étienne Decroux , academiza esta disciplina de donde surge el mítico Marcel Marceau, creador del personaje Bip, han sido mimos de excepción. Los actores de cine mudo de principios de siglo, en especial Charles Chaplin y Buster Keaton, basaron su trabajo por entero en las técnicas de mimo para trasmitir sus historias.

EL MIMO DRAMA Tiene las mismas complejidades dramaturgicas y estructurales que cualquier drama. Su grandiosidad esta mas cerca de la opera. Puede abordar todos los temas y argumentos. No significa dialogar por señas sino que se trata de un teatro que se basa en la acción dramática y no en el diálogo. Sin embargo no consiste en las actuaciones del mimo solista como las interpretaciones del gran mimo francés, Marcell Marceau en sus giras internacionales. Este tipo de actuación es un derivado del mimo drama. El origen del mimo drama, en occidente se encuentra en el teatro de la antigüedad griega Las dionisíacas, o fiesta al dios Dionisio, donde el lenguaje corporal era el instrumento de representación por excelencia. Como esta festividad del vino, provocaba liberaciones morales, se afirma que aquellos mimo dramas eran excesivamente pícaros y lascivos. Llamadas satiricón por las burlas a las autoridades. Posteriormente, se fue imponiendo la palabra sobre el gesto, ocultando los ritos de ménades y sátiros, que dejaron de ser explícitos, para recrearse por medio de la abstracción y la intelectualidad sobre el escenario. Aparecieron los grandes poetas y dramaturgos como Esquílo y Eurípides, entonces la parte mímica la ejecutaba el coro, otras veces se corría una cortina llamada "velus mímico" y representaban las escenas que narraban hechos del pasado, con máscaras sin megáfono y sin calzar coturnos. Es entonces que el teatro griego pone la palabra como elemento primordial, pero la tradición mímica continua su desarrollo independientemente.



EL MIMO DRAMA Es un género teatral muy antiguo, cuya representación se produce sin palabras. Tiene las mismas complejidades dramaturgicas y estructurales que cualquier drama. Su grandiosidad esta mas cerca de la opera y el ballet. Puede abordar todos los temas y argumentos. No significa dialogar por señas y gestos sino que se trata de un teatro que se basa en la acción dramática y no en el diálogo verbal. Es algo diferente de las actuaciones del mimo solista como por ejemplo las interpretaciones del gran mimo francés, Marcell Marceau en sus giras internacionales con una economía de elementos... Este tipo de actuación es un derivado del mimo drama. El origen del mimo drama, en occidente se encuentra en el teatro de la antigüedad griega Las dionisíacas, o fiesta al dios Dionisio, donde el lenguaje corporal era el instrumento de representación por excelencia. Como esta festividad del vino, provocaba liberaciones morales, se afirma que aquellos mimo dramas eran excesivamente pícaros y lascivos. Llamadas satiricón por las burlas a las autoridades. Posteriormente, se fue imponiendo la palabra sobre el gesto, ocultando los ritos de ménades y sátiros, que dejaron de ser explícitos, para recrearse por medio de la abstracción y la intelectualidad sobre el escenario. Aparecieron los grandes poetas y dramaturgos como Esquilo y Eurípides, entonces la parte mímica la ejecutaba el coro, otras veces se corría una cortina llamada "velus mímico" y representaban las escenas que narraban hechos del pasado, con máscaras sin megáfono y sin calzar coturnos. Es entonces que el teatro griego pone la palabra como elemento primordial.

En las antiguas dinastías chinas, se representaban el mimo drama respaldado con música. A esta representación se le llamó opera y venían de diversos reinos lejanos o vecinos. No existía una lengua oficial, ni el lenguaje escrito era del dominio de todos. Los actores ejercitaron técnicas de desplazamientos en el lugar incorporación de objetos, animales y elementos como el viento, el agua el cielo etc. Esta tradición pantomímica fue rescatada por las escuelas francesas de teatro como E.Decroix, donde estudió Marcell Marceau.

En las plazas, el vulgo asistía a representaciones de mimos (actores), en obras de carácter realista, representando escenas de la vida cotidiana y marginal, pero sin el uso del lenguaje oral.

En Roma, adquiere mayor fuerzas, una de las razones por no dominarse el idioma griego, y el público empleaba diversos dialectos que se hacía incomprensible los textos clásicos. Los romanos, a diferencia de los griegos, rendían culto al cuerpo y no tanto a la mente, es por eso que el mimo drama pudo cobrar importancia en las representaciones escénicas. Con la costumbre de emplear un declamador para recitar el parlamento, el actor se concentró en lo gestual, terminando por suprimir la palabra. En la antigua Roma, hasta Cicerón, desafió al pantomímico Roscio, un actor mimo muy famoso a que tradujera sus palabras a gestos, lo cual hizo con perfección. El mimo solista se convirtió en un narrador pantomímico. Existen relatos sobre un actor griego esclavizado por los romanos, llamado Livíus Andrónicus, que actuaba en espacios plazas públicas, obtuvo su libertad en un torneo mímico. En el siglo XX el mimo drama ha continuado representándose en diversos países del mundo. En Francia Jean Louis Barrault presenta varios espectáculos de pantomima moderna y protagoniza la película de Marcel Carné “Los infantes del Paraíso” que es la vida el mimo Jean Gaspard Batiste Deborau mas adelante comienzas las giras internacionales de Marcel Marceau. En los años veinte con el crecimiento teatral norteamericano orientado por el maestro Erwin Piscator en el Taller Dramático de la New School for Social Research estudiaban los que después fueron estrellas como Marlon Brando, Tennessee Williams, y en esta academia surgió el ejercicio del mimo moderno con Anthony Curtís donde la escuela tenía dos teatros que presentaron espectáculos públicos casi todas las noches de la semana y se mostró como un teatro experimental .El coreógrafo Ted Shawn, visitó e invitó allí a Curtis a trabajar en su colonia de baile en Massachusetts, Jacob's Pillow de donde surge una serie de espectáculos de verdadera vanguardia de Teatro de Movimiento. En Estados Unidos se consolidó el American Mime Theatre que es la más antigua compañía de mimo profesional en el mundo. Junto al movimiento artístico liberal se pone de moda el mimo callejero que aparecen las principales plazas de Paris, Berlín, Roma, en el zócalo de Coyoacan en Mexico. En Polonia, Henryk Tomaszewski, creador del teatro de Pantomima de Wroclaw. En Francia, la Cia de Etienne Decroix y en Italia, el Picolo Teatro de Milan, en Barcelona el maestro polaco Pawel Rouba, en Checoslovaquia,en el Teatro La Baranda del director Ladislav Fialka, En Suiza el gran clown Dimitri. En México Juan Gabriel Moreno, Sigfrido Aguilar, Alberto Stanley y en Cuba un movimiento creado por Olga Flora y Ramón finalmente Ramón Díaz director del Teatro de Pantomima de Cuba y después de Mexi Son . En Buenos Aires inician esta actividad dos maestros Roberto Escobar e Igón Lerchundi mimos y coreógrafos argentinos que sentaron escuela y llegaron a crear la cátedra de Mimo en la Escuela Nacional de Arte Dramático. La Escuela Argentina de Mimo, Expresión y Comunicación Corporal fue fundada en 1967 por su actual director, el maestro Ángel Elizondo que cuenta con 40 años de existencia ininterrumpida, El mimo italiano Jerome Murat ha sorprendido con sus giras de efectos de máscaras en muchos escenarios internacionales. Hanoch Rosenn, mimo israelita que se mantiene con una técnica esplendida se ha acoplado con los efectos fílmicos y ofrece un espectáculo lleno de magia y asombro.

Actualmente se celebran festivales donde los mimos se encuentran ante el entusiasmo de su público y surgen nuevos talentos

EL TEATRO y LA DANZA en CUBA

El esteriotipo de "los rumberos" signo nacional


El Teatro & La Danza en CUBA
Cuando nos referimos a las figuras artísticas del espectáculo que surgieron en Cuba, tenemos que decir que, la mayoría de ellas, se vincularon con la música y la danza. Por eso es que, la evolución del espectáculo teatral en la isla esta identificada con el surgimiento y desarrollo de la música y la danza cubana. Desde el principio se percibe un interés en buscar la realidad nacional con temas y personajes cubanos. Aunque las primeras composiciones registradas son de carácter litúrgico de tipo europeo, como la obra de Esteban Salas desde 1759 hasta 1845 ya se notaba una influencia de la música popular naciente. En el siglo XVIII, este músico se destacaba porque fue maestro de capilla de la catedral de Santiago de Cuba y fue autor de varias misas y villancicos. En esta etapa ya había en los festejos, fuera de la iglesia, guarachas criollas y conjuntos típicos cuyos sones sonarían por mucho tiempo, y las claves eran bien conocidas que influyeron de manera discreta en la música religiosa. En las principales plazas y mercados había animadores, trovadores y cómicos independientes que llamaban la atención con magia y exhibiciones al tiempo que vendían algunos productos. Según el archivo de Indias de la Nueva España. Tavera (Sevilla. Papeles de Cuba periodo 1770 hasta 1812)
La Ma.Teodora: La primera animadora en las provincias orientales.

Fue una cantante animadora en muchas festividades.Teodora Ginés una figura de actuación y musical del siglo XVI, en la ciudad de Santiago de Cuba y la región oriental, por tanto una de las referencias mas remotas de las actividades de representación artística.Posiblemente el inicio del vedetismo de la sonera.Debido a la falta de documentos es muy discutida su nacionalidad unos dicen que era dominicana de Santiago de los Caballeros y que tenia un grupos musical con sus hermanos Micaela y Pablo Ginés mientras otros afirman que era cubana. Con bandola, guitarra y percusión de tamboril. Por los testimonios encontrados esta era una artista muy solicitada en las bodas y fiestas privadas y presentaba una actuación con versos y música. Su referencia es un dato básico para el estudio de los inicios de las actuaciones y la música popular. Hay datos con fechas e las solicitudes de permiso para sus representaciones en los archivos y acta de indias en España. También se sabe que era la única agrupación que animaban las fiestas particulares y patronales.
De una parte esta una tesis sustentada por Alejo Carpentier y refutada por las investigaciones de Alberto Muguercia. Recientemente han aparecido pruebas de las actividades de esta artista en fiestas locales probadas de la época. De todas formas La Ma. Teodora ha quedado como leyenda y es la huella de una de las primeras figuras del espectáculo cubano.
“Donde esta la Ma. Teodora... ¡Rajando la leña esta.
Con su palo y su bandola.... ¡Rajando la leña esta¡”
Raíces Hispano Africanas
No tardó en aparecer en las presentaciones artísticas actos teatrales acompañados de la música cubana plena, surgida de las dos raíces culturales importantísimas que son la española y la africana, que fueron acompañando a todas las actividades teatrales y danzarías. Los comediantes cubanos se identificaron por los gracejos y expresiones locales. Un sello exuberante lo marcó para siempre con un vigor que fue tomado para la música y el espectáculo de otros países y a su vez, ha tenido una forma peculiar de expresarse escénicamente. Pero, no fue hasta finales del siglo XIX y XX cuando el teatro y la música cubana florecen, sobre todo apoyado en el medio escénico, como en la obra de Ernesto Lecuona, Jorge Ankerman, Rodrigo Prats, Moisés Simons, Eliseo Grenet, y en los años cincuentas Osvaldo Farrés, Fernando Mulens, Rene Tuzet, Benny Moré, Dámaso Pérez Prado, y posteriormente Chucho Valdés, Juan Formell, Héctor Angulo, que hicieron música que no fue solo para escuchar. Muchos temas musicales que surgieron para obras teatrales, con el tiempo se independizaron y recorrieron el mundo. En la trayectoria de los espectáculos de los países vecinos, tanto en Estados Unidos, México, Venezuela, Colombia y Argentina fueron bien reconocidos los temas cubanos y hay una presencia fuerte de artistas y creadores llegados de Cuba que se insertaron en esas naciones. Los sainetes cubanos se extendieron a varios países vecinos encabezados por Arquímedes Pous que personificó a Papá Montero acompañado de la música de Eliseo Grenet y Jorge Ankerman inspirado en un personaje de leyenda de Sagua de Tanamo. Desde los años treinta el son de Ignacio Piñero y de Miguel Matamoros contribuyeron a la industria del disco y el espectáculo. Ernesto Lecuona, desde los años treintas, viajó a varias países con sus zarzuelas compuestas por cantantes, actores y músicos de arte lírico de Cuba. Las compañías de teatro sainetero cubano recorrieron las ciudades de países vecinos como en México Veracruz, Yucatán, Xalapa y el Distrito Federal. En Dominicana Santo Domingo, Santiago de los Caballeros. En Venezuela Caracas, Barquisimeto, Maracaibo en y en Colombia Cartagena, Barranquilla y Bogota y otras ciudades vecinas. (La farándula en México 1908-1925. México: Archivo General de la Nación, Dirección de Difusión y Publicaciones.)
Los rumberos Pablito y Lilón “Los Diamante negros” en la revista norteamericana Life en 1938

El primer intento de internacionalizar el baile de la rumba fue en 1913 llevado por Lew Quinn y Joan Sawyer quienes llevaron percusionistas a New York desde Cuba para bailar la rumba. (Archive Cuban Cultural Heritage Org)
En 1925 Benito Coalla abre el Club “El Chico” en Greenwich Village y se convierte en un lugar de moda que dio oportunidad a los primeros artistas cubanos con las tardes de rumbantelas improvisadas donde se lucían algunos rumberos llegados del Caribe.
Pero es Xavier Cugat, con su orquesta en 1925 quien lanza la música cubana en grande en Coconut Grove en los Ángeles y el Waldorf Astoria de New York . Ya en los años treinta Dezy Arnaz, quien como animador y cantante de la orquesta de Cugat, conquistó el publico americano que se extendió a Europa y seguidamente Miguelito Valdés, Chano Pozo y varias parejas de baile de son, guarachas y rumbas. La incursión de Chano Pozo con la orquesta de Duke Elintong y la popularidad del número “Manteca” dirige las miradas hacia los recién llegados artistas cubanos. En las trasmisiones de radio en español que conducía Eusebia Cosme los temas cubanos despiertan atención. Sin embargo dos noticias escandalosas empañaron esta etapa primero el asesinato de Chano Pozo en el barrio de Harlem y un poco después al crimen de la pareja de bailes “Los diamantes negros” Pablito y Lilón ya que él alucinado por los celos, mató a su compañera y se auto disparó quedando los olanes de la rumba ensangrentados en el Latín Paladium de New York. Debido a la cobertura de la prensa se detonó unas persecuciones y redadas contra cubanos inmigrantes.
Y continuó una difícil situación que me narraron Mongo Santamaría y Marcelino Guerra, Ranpinday, en su casa de la calle Colombus en New York. Algunos tuvieron que regresarse a la isla otros se quedaron enfrentando las visicitudes hasta que el tiempo les dio un lugar para sotener sus carreras.
El periodo de 1920 a 1950 fue de definición de la personalidad nacional, paralelamente a la creación de instituciones, la aceptación del mestizaje, el crecimiento urbanístico y una lenta industrialización. En la literatura Fernando Ortiz, Alejo Carpentier, Jorge Mañach, Emilio Ballagas y Nicolás Guillen resaltaron los rasgos de un nacionalismo que denunciaron el antagonismo de clases sociales y la controversia contra el intervencionismo de Estado Unidos, también la inconformidad de un comercio con el vecino del norte basado en desigualdades a favor de Estados Unidos, que fue lo que trajo un ciclo de éxodos hacia otras naciones. El estereotipo de los personajes populares guarachosos se dio como una estampa simpática y colorida, pero lo cierto es que el mundo del solar de donde surgen, estuvo hundido de pobreza e indigencia, ya que la tercera parte de la población vivían en condiciones infrahumanas en vecindades hacinadas (“Los horrores del solar” de Chaillot Cardona 1945 ) El 50% de la población rural era de piso de tierra y techo de güano, el analfabetismo tenia cifras alarmantes pero esta realidad la evadió la comedia vernácula aunque si tuvo cabida en el teatro dramático como “Tembladera” de José Antonio Ramos o “Cañaveral” de Paco Alfonso y en otras obras. Además de la narrativa de Miguel de Carrión en “Las Impuras” y “Las Honradas” que reflejaron el dolor del mundo de la prostitución y el vicio. La intervención norteamericana que abrió fuente de trabajo para una parte de la población fue modificando el panorama hacia una norteamericanización, sin la menor duda, el país fue tomado como una semi colonia. Por ejemplo El hotel Sevilla se convirtió en Sevilla Biltmore, se organizó el Jockey Club de La Habana y creció la explotación de los recursos dejando una marca de “company” en todas las cosas , la etapa de la ley seca en Estados Unidos hizo que la mafia italo americana se desplazara a La Habana y es cuando apareció una hilera de hoteles como el Havana Hilton, Havana Riviera, hotel Capri ofreciendo sus casinos de juegos.
Las nuevas condiciones requerían cubrir a la pobreza para halagar a la modernización y fue cuando la miseria se vistió con bata de rumba.De una forma u otra todos aceptaron el cliché de los rumberos, y se codificó la camisa con mangas de olanes y la bata de vuelos aunque todos sabemos que esta es la cáscara que cubre diversos caminos y como afirmara Nicolas Guillén: "La rumba revuelve su música espesa con un palo"

TEATRO VERNACULO DE CUBA

Leopoldo Fernández (Pototo)Caracterizado como "el negrito" en el Teatro Martí


Teatro Bufo y Vernáculo por RAMON DIAZ

El carácter psicologico de los cubanos esta identificado con emplear, a veces, la burla, el choteo como arma de defenza. La verdad es que la trayectoria de Cuba desde su descubrimiento esta llena de capitulos de dolor, esclavitud, de abusos sociales y de miseria, como contraste el pueblo eligió el buen humor y la comedia como escape para compensar y sobrevivir, es posible que haya influido en su teatro. La comedia cubana se fortalece con la aparición del Teatro Bufo y el Vernáculo, herederos, de cierta forma, del sainete español. El 31 de mayo de 1868, dio inicio las representaciones de “Los bufos habaneros” en el célebre Teatro Villanueva Un teatro satírico que desde un principio se manifiesta nacionalista, como se demostró en 1868, en los disturbios en el Teatro Villanueva, que fue el centro de las actividades sociales y politicas de su tiempo, en la obra bufa “Perro Huevero, aunque le quemen el hocico”, de Valerio, ante la proclama que lanza un comediante: "¡Qué viva la tierra que produce la caña!" ¡Que viva Cuba¡ y el pùblico respondió: “y que muera España”. Lo que ocasionó una gran represion por parte de los carabineros españoles contra el publico, redada de aprisionados y el cierre definitivo del teatro. Posteriormente la censura afectó la continuidad de estos espectáculos.
En el siglo XIX, son frecuentes las parodias de temas conocidos e históricos como “Los tres mosqueteros”, “Don Juan Tenorio” de Zorrilla, “Romeo y Julieta” “Cleopatra en chancletas” y otros. La burla sacrílega, es el principal ingrediente. Francisco Covarrubias, autor, actor y empresario, es quien establece el ofico del teatrista e institucionaliza las compañias teatrales. Le tocó actuar en las carpas, una buena parte de su vida profesional, hasta que es reconocido y entra a representar en el Teatro Tacon y con él, la comedia de temas cubanos. En Cuba, donde se presentaban los sainetes y la tonadilla escénica españolas comenzó a desarrollarse un teatro musical humoristico. Entre los cómicos habaneros que inician el teatro bufo, debe mencionarse a José Agustín Millán y Bartolomé José Crespo, conocido como “Creto Gangá” desde 1811 hasta 1871. Se abrió otro teatro que fue muy concurrido el Teatro Cervantes, el cual se dedicó al genero bufo. Las autoridades españolas cerraron durante un tiempo el teatro Cervantes, fueron censuradas las criticas del teatro bufo, ya el nuevo teatro estaba en la mira de las autoridades coloniales españolas por las referencias a la dominación colonial. En 1880 logran enorme popularidad en La Habana y con ecos a las provincias la agrupación "Los bufos de Sala".

Los bufos habaneros:
Uno de los lideres del Teatro Bufo fue Francisco Fernández Vilarós, nacido en la Villa de Trinidad, periodista y tipógrafo, quien en compañía de Miguel Salas, Jacinto Valdés, Joaquín Robreño y otros, iniciaron los “Bufos Habaneros” quienes producen es una escenificación populachera, y muestran los personajes tipicos cubanos, como las coquetas mulatas, negros chéveres y curros, guajiros sin educación pero bien listos , chinos, ñañigos nunca se registro el personaje de el cura ni situaciones sartiricas sobre la iglesia, predominaba el choteo y desde luego los sones y las guarachas sandungueras. En 1882, varias compañías de bufos habaneros, actuaron en México. Produciendose una interinfluencia con los cómicos carperos mexicanos.Casi todos los argumentos del bufo se basaron en tres personajes: el guajiro y mas adelante el negro, el gallego y la mulata; y a través de ellos se satirizan las situaciones, en contrastes con el otro teatro mas aristocratico utilizando giros vulgares y populacheros que le restan eficacia. “Los negros catedráticos” de Pancho Fernandez, que fue una delirante burla a las costumbres burguesas, los equivocos culturales con los errores de palabras llamados hablar en bozal:
“Negrito 1: Cipriano, anoche fui a ver el Fautos de Goetes ”
Negrito 2: ¿de Goetes? Cuidasdo con lo e`plosivos…que se te quema la testas. ¡¡J aja¡
Negrito 1: ¿Qué e`plosivos? Escucha bien don Cipriano: Digo que fui a la ospera a ver el Fautos de goete.
Negrito2: Eso mimos te digo que si te quemas la testa…. te ospera..el dotol”
(Fragmento de Los Negros Catedráticos)

El personaje del guajiro se destaca más en la etapa bufa, y queda en un segundo plano en las temporadas vernáculas cuando el negrito ocupa el protagonico.
Son muy divididos los juicios en posiciones encontradas, sobre la comedia bufa y la vernácula. Por un lado, los defensores apasionados y por otro lado, sus detractores mas severos. Uno de sus fieles defensores fue, Eduardo Robreño, que heredó una buena colección de libretos, debido a su identificación familiar, ya que su padre y su tío Francisco y Gustavo Robreño, fueron destacados actores y escritores de este singular teatro. Robreño anecdotó la historia de este teatro sublimando y reafirmando las leyendas. Esta valoración es continuada por la investigadora Esther Suarez. Sin embargo tuvo otros detractores, como el lider estudiantil Julio Antonio Mella, que descalificaba al Teatro Alhambra afirmando: “sus representaciones servìan para dividir el pueblo y para corromperlo”
Alejo Carpentier, apesar de reconocer las “vulgaridades” afirma: “este teatro constituye un admirable refugio del criollismo. Es uno de los pocos lugares habaneros en que se podía oír todavía, antes de mi partida a Europa, danzones ejecutados, según las mejores tradiciones” La escritora y teatróloga, Rosa Ileana Boudet, quien ha investigado muy seriamente este tema, atribuye, al desencanto debido a la rustraciòn que trajo la enmienda Platt, y justifica la evasión de abordar con responsabilidad los temas nacionales “Es fácil advertir la fórmula: el choteo y la burla como evasión”. Pero no duda en juzgarlo como “escamoteo y simulacro” (La Jiribilla) De otro lado, el teatrista y dramaturgo, Matías Montes Huidobro, califica esta linea de teatro como “realismo chancletero” y asegura que las puyas contra Estados Unidos, eran “solo para halagar a la colonia española” con mucho poder económico todavía en esa epoca, y no “por una posición antiimperialista”. Como ocurre, por ejemplo, en “La isla de las cotorras”, con libreto de Federico Villoch, debido a la intervención de Estados Unidos, sobre Isla de Pinos, igualmente en “Delirio de automóvil” que se refiere a la novedad de la construccion de la carretera central en 1921. Otra opinión es la de, la periodista y crítica teatral, Natividad González Freire, quien observaba: “estas obras estaban divididas en cuadros separados entre sí por números musicales y un cuadro final compuesto por una Charanga estruendosa por toda la compañía" (Teatro cubano, 1961).

La compañía teatral de ARQUIMIDES POUS

El critico y teatrólogo, Rine Leal, después de una intensiva busqueda, llega a la conclusión de que en el Teatro Alhambra " se afirmaron la otra imagen populachera y divertida del cubano, socavando los pilares morales del pueblo, en este sentido no hicieron otra cosa que prolongar y perfeccionar los mecanismos de comunicación del bufo, substituir unos tipos venáculos por otros y mantener los elementos de apelación del público, basado en la música, el texto superficial, el choteo, la parodia, el tono subido de color o francamente pornográfico, y la actualidad política, excluyendo de la misma toda crítica que fuese a la raíz del problema" (Breve historia del teatro cubano. R.Leal)
Particularmente, creo que todos tienen un poco de razón, y observando el desarrollo del Teatro Bufo de Carpa en Mexico, vemos que sufrió similar experiencia de espaldarazo a la problemática mexicana, en los momentos mas criticos de la dictadura de Porfirio Dìaz, pero capacitó actores, libretistas y músicos cuya experiencia les sirvió posteriormente, a la industria de la radio, la televisión y el cine mexicano.
Después, surgiò otra agrupación de permanente actividad estable que fue la Cia Suàrez Rodríguez que se ubicò en el Teatro Marti, que sostuvo el crecimiento del repertorio de zarzuela cubana y teatro vernáculo en la decada de los años treintas. El teatro de sainete lírico, incluyó escenas que reflejaban las costumbres y el ambiente popular. Los sainetes liricos o zarzuelas cubanas, llaman la atención del público en este Teatro Irijoa, después llamado Martí, en los primeros momentos también su repertorio de comedias y sainetes fue semejante al del Alhambra, Pero se fue acercando mas a la zarzuela adquiriendo aactores tenores y sopranos de primera clase y es cuando se produce, en 1932 el historico estreno de “Cecilia Valdes” con musica de Gonzalo Roig y librerto de Agustin Rodríguez y José Sánchez Arcilla, que adaptaron la emblematica novela de Cirilo Vilaverde. Esta obra exitosa alterna con “Soledad”, “Rosa la China” de Lecuona y libreto de Gustavo Sánchez Galárraga, y Amalia Batista de R. Prats y A. Rodríguez.

Aquí se profesionalizan figuras como la tiple mexicana Elisa Altamirano y después Caridad Suárez, con una potentosa voz operistica, ambas proveniente de las temporadas del Payret, en la comedia Leopoldo Fernandez y Anibal de Mar, también destacandose las artistas Blanquita Vázquez, Consuelo Novoa, Benito Simancas, Miguel André y la actriz y coreografa Lolita Berrio, que venia de Argentina y Eduardo Muñoz “El sevillanito” actor y también coerógrafo, otra figura cuyo nombre debe escribirse en oro es el actor y tenor Miguel de Grandy.Si bien el Teatro Payret sirvió para estrenos espectaculares la Cia Suarez Rodríguez en el Teatro Marti, tuvo las temporadas mas largas de las obras de Lecuona y Sanchez Galaraga asi como la de Gonzalo Roig y Agustin Rodríguez y llegó a contar con un publico y un elenco sólido.
El éxito de publico creò un acoso sobre el Teatro Marti y surgio un conflicto en 1935 porque el gobierno favoreció a la empresa Santos y Artigas y saco a la cia Rodríguez Suarez que desde el 7 de agosto de 1931 hasta la última fecha se habían realizado tres mil seiscientas veintidós funciones de trescientos setenta y nueve títulos, donde asomaban los géneros más diversos: revistas, comedias, sainetes, zarzuelas, juguetes, operetas, farsas y otros generos.
Los años cuarentas, muchos grupos encabezados por determinados actores como Carlos Pous, sobrino del exitoso Papa Montero Arquimides Pous, Garrido y Piñero, Enrique Arredondo asociado a Manuel Castany recorrieron toda la isla ejerciendo la costumbre de visitar los teatros en las provincias.
En 1943 el Teatro Popular de Paco Alfonso, con una tendencia claramente de izquierda, retoma elementos de esta comedia para realizar críticas sociales, sobre todo con el tema campesino, en obras como “Cañaveral” de su propia autoría o “Tembladera” de José Antonio Ramos.
Libretistas como Agustín Rodríguez, Gustavo Sánchez Galarrága, Federico Villoch, Mario Sorongo, Castor Vispo y Álvaro de Villa. Esta tendencia se reflejo en la radio, por Alberto Luberta, Marcos Behmara, Arturo Liendo, Enrique Núñez Rodríguez y Carballido Rey .En el Teatro Rene de Cárdenas, Nuñez Rodriguez y Héctor Quintero.
La Tremenda Corte
Los actores vernàculos obtienen rotundo éxito en la radio y pasan de la RHC Cadena Azul a la nueva CMQ tanto el dùo de “Chicharito y Sopeira” interpretados por Garrido y Piñero que se enfocan mas en el cine y después el exitoso espacio de “La Tremenda Corte” con los libretos de Castor Vispo hasta que toman la televisión con otros escritores pero ya con cambios de nombres Pototo y Filomeno.
Pototo sueltame Ya, mira que me tienes lleno
¡ Pero porque Filomeno si Pototo no hizo NA¡.
En Mexico, Leopoldo Fernandez revive el personaje de “Tres Patines” en la cadena radial XEFB de a mediados de los años 60.Con las limitaciones de la época, donde el cartón pintado como escenografía y los rudimentarios equipos de video eran el unico apoyo tecnico "La Tremenda Corte" fue uno de los primeros programas cómicos que se exportaron desde la capital azteca a los diversos paises de América y aun persiste en las ondas radiales. Secundado por populares actores cómicos de Cuba, las que destacaron por méritos propios. Florencio Castelló (Rudecindo Caldeiro y Escobilla alias "El curro"), Norma Zúñiga, en sustitución de Mimi Cal, Luz María Nananina y Marco de Carlo (Patagonio Tucumán y Bandoneón). Cada uno de ellos aportó frescura e hilaridad desde su propio estilo y se constituyeron en un perfecto complemento para los protagonistas de la serie. Otrta vez el vernaculo llegaba a Mexico y levantaba exitos. Mas adelante Radio Panamericana, con alcance a Puerto Rico y Colombia adoptó los 260 capítulos de La Tremenda Corte. En 1969 el canal 5 de TV contrató por una corta temporada a Leopoldo Fernández para otra variante del programa de “La tremenda Corte”.
Tras el triunfo de la Revolución, el 1ro de enero de 1959, la compañía de Carlos Pous y José Sanabria realizó una intensa temporada en el Teatro Martí que culminó en 1965 con similar éxito.
Solo algunos libretos se han rescatado como “El velorio de pachencho” que tiene otro titulo “Tin Tan te comiste un pan”, “La casita criolla”, “El niño perdido”, “La danza de los millones”
En su última temporada en el Teatro Martí, se presentó “Voy abajo”, ¿Qué traigo aquí?, “No tengo edad”, “Territorio libre de hombres” y “El bravo”, de Enrique Núñez Rodríguez,”El amor nació en la plaza”, de Marcos A. Valcárcel; “La Rampa”, de Alberto Luberta, “Yo soy aquella”, de Arturo Liendo, y la reaparición de “El velorio de Pachencho”, de los hermanos Robreño “El espiritista”, de Ramón Espigul padre, “Zafra” de Paco Alfonso, y “La vida secreta de Don Juan Tenorio” entre otras comedias divertidas.
Tras de cerrar las pocas carpas particulares que quedaban, el Grupo Teatral Jorge Anckermann, se estableció en el Martí y recuperó el sainete lírico bajo la dirección de Enrique Nuñez Rodríguez y dan cabida a Carlos Pous, Alicia Rico, Candita Quintana Cuca Tellechea y Zenia Marabal que reviven las obras más significativas del teatro bufo cubano En 1972, en medio del período de dogmatismo denominado quinquenio gris, o el parametraso el grupo Jorge Anckermann quedó disuelto, privando al público de su mas genuina tradición teatral y los libretos que fueron reliquias donadas por muchos de sus artistas de Arquimides Pous, Fedrico Villoch, Agustin Rodríguez y Robreño, junto a las partituras musicales desaparecieron de las oficinas después del parametraso, se rumora que fueron quemadas en una acción de terrorismo contra el arte. En 1974 el teatro se vió obligado a cerrar por el pretexto una situación de riesgo en sus instalaciones eléctricas. Hoy en ruinas espera por su restauración no solamente fisica sino una revaloración y justicia a un monumento nacional. Aunque los funcionarios del C.N.C. que lo agredieron fueron depuestos de sus cargos nunca han sido procesados por sus delitos de atentado contra la cultura nacional por lo que la justicia pendiente es un fantasma que deambula entre sus ruinas.

El Arte de la Pantomima

El Arte de la Pantomima que es una expresión teatral muy antigua, es una representación dramática, basada en la acción, sin emplear los diálogos, que puede ser tanto dramática o de comedia. El Mimo traduce el tema por intermedio de las intensiones y actitudes, empleando el juego corporal y construyendo imágenes, enriquece la gestualidad cada acción se transforma en un signo que es reconocido por el público de nuestra sociedad. Es el estudio de la conducta del hombre y es necesario el conocimiento de la vida, la juventud y la madurez del cuerpo, el resplandor de la sátira y del símbolo, la perfecta identificación con el mundo exterior, los elementos, las plantas, los personajes, los animales etc. Y sobre todo la elección de una estética al servicio del pensamiento y de la acción. La Pantomima moderna, acabó siendo un a arte puramente sin palabras, donde el significado es trasmitido solamente a través de l as acciones y gestos, el movimiento y la expresión corporal. Adquirió el rango de gran arte en el siglo XIX gracias al actor eslavo francés Jean Gaspard Deburau, que refinó los rasgos de un temprano personaje de la comedia dell’arte y creó a partir de él a Pierrot. En el siglo XX, un maestro francés, Étienne Decroux , academiza esta disciplina de donde surge el mítico Marcel Marceau, creador del personaje Bip, han sido mimos de excepción. Los actores de cine mudo de principios de siglo, en especial Charles Chaplin y Buster Keaton, basaron su trabajo por entero en las técnicas de mimo para trasmitir sus historias. EL MIMO DRAMA Tiene las mismas complejidades dramaturgicas y estructurales que cualquier drama. Su grandiosidad esta mas cerca de la opera. Puede abordar todos los temas y argumentos. No significa dialogar por señas sino que se trata de un teatro que se basa en la acción dramática y no en el diálogo. Sin embargo no consiste en las actuaciones del mimo solista como las interpretaciones del gran mimo francés, Marcell Marceau en sus giras internacionales. Este tipo de actuación es un derivado del mimo drama. El origen del mimo drama, en occidente se encuentra en el teatro de la antigüedad griega Las dionisíacas, o fiesta al dios Dionisio, donde el lenguaje corporal era el instrumento de representación por excelencia. Como esta festividad del vino, provocaba liberaciones morales, se afirma que aquellos mimo dramas eran excesivamente pícaros y lascivos. Llamadas satiricón por las burlas a las autoridades. Posteriormente, se fue imponiendo la palabra sobre el gesto, ocultando los ritos de ménades y sátiros, que dejaron de ser explícitos, para recrearse por medio de la abstracción y la intelectualidad sobre el escenario. Aparecieron los grandes poetas y dramaturgos como Esquílo y Eurípides, entonces la parte mímica la ejecutaba el coro, otras veces se corría una cortina llamada "velus mímico" y representaban las escenas que narraban hechos del pasado, con máscaras sin megáfono y sin calzar coturnos. Es entonces que el teatro griego pone la palabra como elemento primordial, pero la tradición mímica continua su desarrollo independientemente.


EL MIMO DRAMA Es un género teatral muy antiguo, cuya representación se produce sin palabras. Tiene las mismas complejidades dramaturgicas y estructurales que cualquier drama. Su grandiosidad esta mas cerca de la opera y el ballet. Puede abordar todos los temas y argumentos. No significa dialogar por señas y gestos sino que se trata de un teatro que se basa en la acción dramática y no en el diálogo verbal. Es algo diferente de las actuaciones del mimo solista como por ejemplo las interpretaciones del gran mimo francés, Marcell Marceau en sus giras internacionales con una economía de elementos... Este tipo de actuación es un derivado del mimo drama. El origen del mimo drama, en occidente se encuentra en el teatro de la antigüedad griega Las dionisíacas, o fiesta al dios Dionisio, donde el lenguaje corporal era el instrumento de representación por excelencia. Como esta festividad del vino, provocaba liberaciones morales, se afirma que aquellos mimo dramas eran excesivamente pícaros y lascivos. Llamadas satiricón por las burlas a las autoridades. Posteriormente, se fue imponiendo la palabra sobre el gesto, ocultando los ritos de ménades y sátiros, que dejaron de ser explícitos, para recrearse por medio de la abstracción y la intelectualidad sobre el escenario. Aparecieron los grandes poetas y dramaturgos como Esquilo y Eurípides, entonces la parte mímica la ejecutaba el coro, otras veces se corría una cortina llamada "velus mímico" y representaban las escenas que narraban hechos del pasado, con máscaras sin megáfono y sin calzar coturnos. Es entonces que el teatro griego pone la palabra como elemento primordial. En las antiguas dinastías chinas, se representaban el mimo drama respaldado con música. A esta representación se le llamó opera y venían de diversos reinos lejanos o vecinos. No existía una lengua oficial, ni el lenguaje escrito era del dominio de todos. Los actores ejercitaron técnicas de desplazamientos en el lugar incorporación de objetos, animales y elementos como el viento, el agua el cielo etc. Esta tradición pantomímica fue rescatada por las escuelas francesas de teatro como E.Decroix, donde estudió Marcell Marceau. En las plazas, el vulgo asistía a representaciones de mimos (actores), en obras de carácter realista, representando escenas de la vida cotidiana y marginal, pero sin el uso del lenguaje oral.


En Roma, adquiere mayor fuerzas, una de las razones por no dominarse el idioma griego, y el público empleaba diversos dialectos que se hacía incomprensible los textos clásicos. Los romanos, a diferencia de los griegos, rendían culto al cuerpo y no tanto a la mente, es por eso que el mimo drama pudo cobrar importancia en las representaciones escénicas. Con la costumbre de emplear un declamador para recitar el parlamento, el actor se concentró en lo gestual, terminando por suprimir la palabra. En la antigua Roma, hasta Cicerón, desafió al pantomímico Roscio, un actor mimo muy famoso a que tradujera sus palabras a gestos, lo cual hizo con perfección. El mimo solista se convirtió en un narrador pantomímico. Existen relatos sobre un actor griego esclavizado por los romanos, llamado Livíus Andrónicus, que actuaba en espacios plazas públicas, obtuvo su libertad en un torneo mímico. En el siglo XX el mimo drama ha continuado representándose en diversos países del mundo. En Francia Jean Louis Barrault presenta varios espectáculos de pantomima moderna y protagoniza la película de Marcel Carné “Los infantes del Paraíso” que es la vida el mimo Jean Gaspard Batiste Deborau mas adelante comienzas las giras internacionales de Marcel Marceau. En los años veinte con el crecimiento teatral norteamericano orientado por el maestro Erwin Piscator en el Taller Dramático de la New School for Social Research estudiaban los que después fueron estrellas como Marlon Brando, Tennessee Williams, y en esta academia surgió el ejercicio del mimo moderno con Anthony Curtís donde la escuela tenía dos teatros que presentaron espectáculos públicos casi todas las noches de la semana y se mostró como un teatro experimental .El coreógrafo Ted Shawn, visitó e invitó allí a Curtis a trabajar en su colonia de baile en Massachusetts, Jacob's Pillow de donde surge una serie de espectáculos de verdadera vanguardia de Teatro de Movimiento. En Estados Unidos se consolidó el American Mime Theatre que es la más antigua compañía de mimo profesional en el mundo. Junto al movimiento artístico liberal se pone de moda el mimo callejero que aparecen las principales plazas de Paris, Berlín, Roma, en el zócalo de Coyoacan en Mexico. En Polonia, Henryk Tomaszewski, creador del teatro de Pantomima de Wroclaw. En Francia, la Cia de Etienne Decroix y en Italia, el Picolo Teatro de Milan, en Barcelona el maestro polaco Pawel Rouba, en Checoslovaquia,en el Teatro La Baranda del director Ladislav Fialka, En Suiza el gran clown Dimitri. En México Juan Gabriel Moreno, Sigfrido Aguilar, Alberto Stanley y en Cuba un movimiento creado por Olga Flora y Ramón finalmente Ramón Díaz director del Teatro de Pantomima de Cuba y después de Mexi Son.
RAMON DIAZ director de MEXI-SON.

En Buenos Aires inician esta actividad dos maestros Roberto Escobar e Igór Lerchundi mimos y coreógrafos argentinos que sentaron escuela y llegaron a crear la cátedra de Mimo en la Escuela Nacional de Arte Dramático. La Escuela Argentina de Mimo, Expresión y Comunicación Corporal fue fundada en 1967 por su actual director, el maestro Ángel Elizondo que cuenta con 40 años de existencia ininterrumpida. Ultimamente, el mimo italiano Jerome Murat ha sorprendido con sus giras de efectos de máscaras en muchos escenarios internacionales. Hanoch Rosenn, mimo israelita que se mantiene con una técnica esplendida se ha acoplado con los efectos fílmicos y ofrece un espectáculo lleno de magia y asombro. Actualmente se celebran festivales donde los mimos se encuentran ante el entusiasmo de su público y surgen nuevos talentos

L A P A N T O M I M A

El Arte de la pantomima

La Pantomima, consiste en una representación dramática, basada en la acción teatral, sin emplear los diálogos, que puede ser tanto dramática o de comedia.
El mimo traduce el argumento por intermedio de las intensiones y actitudes, empleando el juego corporal y construyendo imágenes ilusorias, enriquece la gestualidad en cada acción que se transforma en un signo que es reconocido por el público.
Es el estudio de la conducta del hombre por lo que es necesario la observación, la síntesis , el conocimiento de la vida, la juventud y la madurez del cuerpo, el resplandor de la sátira y del símbolo, la perfecta identificación con el mundo exterior, los elementos, las plantas, los personajes, los animales y todo lo que lo rodea. Y sobre todo la elección de una estética al servicio del pensamiento y de la acción.
La Pantomima moderna, acabó siendo un a arte puramente sin palabras, donde el significado es trasmitido solamente a través de l as acciones y gestos, el movimiento y la expresión corporal. Adquirió el rango de gran arte en el siglo XIX con el esplendor del Teatro de Pierrot.
EL MIMO DRAMA Tiene las mismas complejidades dramaturgicas y estructurales que cualquier drama. Su grandiosidad esta mas cerca de la opera. Puede abordar todos los temas y argumentos. No significa dialogar por señas sino que se trata de un teatro que se basa en la acción dramática y no en el diálogo. Sin embargo, no es solamente, el virtuosismo del mimo solista, como por ejemplo las actuaciones de Marcell Marceau el gran mimo francés, quien en sus giras internacionales le dió gran promoción a este estilo.
Este tipo de actuación es un derivado del Mimo Drama. El origen del mimo drama, en occidente se encuentra en el teatro de la antigüedad griega Las dionisíacas, o fiesta al dios Dionisio, donde el lenguaje corporal era el instrumento de representación por excelencia. Como esta festividad del vino, provocaba liberaciones morales, se afirma que aquellos mimo dramas eran excesivamente pícaros y lascivos. Llamadas satiricón por las burlas a las autoridades. Posteriormente, se fue imponiendo la palabra sobre el gesto, ocultando los ritos de ménades y sátiros, que dejaron de ser explícitos, para recrearse por medio de la abstracción y la intelectualidad sobre el escenario. Aparecieron los grandes poetas y dramaturgos como Esquílo y Eurípides, entonces la parte mímica la ejecutaba el coro, otras veces se corría una cortina llamada "velus mímico" y representaban las escenas que narraban hechos del pasado, con máscaras sin megáfono y sin calzar coturnos. Es entonces que el teatro griego pone la palabra como elemento primordial, pero la tradición mímica continua su desarrollo independientemente.





EL MIMO DRAMA Es un género teatral muy antiguo, cuya representación se produce sin palabras. Tiene las mismas complejidades dramaturgicas y estructurales que cualquier drama. Su grandiosidad esta mas cerca de la opera y el ballet. Puede abordar todos los temas y argumentos. No significa dialogar por señas y gestos sino que se trata de un teatro que se basa en la acción dramática y no en el diálogo verbal. Es algo diferente de las actuaciones del mimo solista como por ejemplo las interpretaciones del gran mimo francés, Marcell Marceau en sus giras internacionales con una economía de elementos... Este tipo de actuación es un derivado del mimo drama.
El origen del mimo drama, en occidente se encuentra en el teatro de la antigüedad griega Las dionisíacas, o fiesta al dios Dionisio, donde el lenguaje corporal era el instrumento de representación por excelencia básicamente expresaban temas mitológicos griegos. Como esta festividad del vino, provocaba liberaciones morales, se afirma que aquellos mimo dramas eran excesivamente pícaros y lascivos. Llamadas satiricón por las burlas a las autoridades. Fue un teatro preliterario y los datos encontrados vienen del siglo V antes de Cristo por los fragmentos que se conservan del comediógrafo Epicarmo. Por el año 430 otros escritores griegos, como Sofrón de Siracusa, Herondas y Teócrito e incluso Sócrates y Platón escribieron para la pantomima argumentos teatrales.
Posteriormente, se fue imponiendo la palabra sobre el gesto, ocultando los ritos de ménades y sátiros, que dejaron de ser explícitos, para recrearse por medio de la abstracción y la intelectualidad sobre el escenario. Aparecieron los grandes poetas y dramaturgos como Esquilo y Eurípides, entonces la parte mímica la ejecutaba el coro, otras veces se corría una cortina llamada "velus mímico" y representaban las escenas que narraban hechos del pasado, con máscaras sin megáfono y sin calzar coturnos. Es entonces que el teatro griego pone la palabra como elemento primordial.
En las antiguas dinastías chinas, se representaban el mimo drama respaldado con música. A esta representación se le llamó opera y venían de diversos reinos lejanos o vecinos. No existía una lengua oficial, ni el lenguaje escrito era del dominio de todos. Los actores ejercitaron técnicas de desplazamientos en el lugar incorporación de objetos, animales y elementos como el viento, el agua el cielo etc. Esta tradición pantomímica fue rescatada por las escuelas francesas de teatro como E.Decroix, donde estudió Marcell Marceau.
En las plazas, el vulgo asistía a representaciones de mimos (actores), en obras de carácter realista, representando escenas de la vida cotidiana y marginal, pero sin el uso del lenguaje oral.
En Roma, adquiere mayor fuerzas, cuya una de las razones fue por no dominarse totalmente el idioma griego en el imperio itálico, y el público empleaba diversos dialectos que se hacía incomprensible los textos clásicos. Los romanos, a diferencia de los griegos, rendíanmas culto al cuerpo humano y no solo a la mente, es por eso, una de las razones que el mimo drama pudo cobrar importancia en las representaciones escénicas. Se manifestó en las farsas callejeras destacandose Décimo Laberio y Plubio Siró que fueron los principales cultivadores de la pantomima y posteriormente, autores como Plauto y Terencio recogieron en sus comedias.
Con la costumbre de emplear un declamador para recitar el parlamento, el actor se concentró en lo gestual, terminando por suprimir la palabra. En la antigua Roma, hasta Cicerón, desafió al pantomimico Roscio, un actor mimo muy famoso a que tradujera sus palabras a gestos, lo cual hizo con perfección. La aparición de la pantomima, adquirió gran auge con actores como Pílades y Batilo de Alejandría, y se convirtió en una parte esencial de las representaciones teatrales.
El mimo solista se convirtió en un narrador pantomímico. Existen relatos sobre un actor griego esclavizado por los romanos, llamado Livíus Andrónicus, que actuaba en espacios plazas públicas, obtuvo su libertad en un torneo mímico.
En la Edad Media juega un papel de expresión popular debido al total dominio de la iglesia, aunque son perseguidos y condenados por las autoridades. Los juglares que eran narradores, poetas trovadores y mimos actuaban en las plazas y eran llamados a las fiestas particulares. En el renacimiento al surgir la Comedia de Arte, en el siglo XVI en Italia particularmente en la ciudad de Florencia, el mimo bebe de esta tradición de actores itinerantes que interpretaban escenas bufonescas de la vida cotidiana en las plazas de pueblos y ciudades, y no tardó en extenderse por toda Europa. Ejercieron piezas más o menos improvisadas, en las que los actores daban vida a situaciones y personajes estereotipados; con personajes como Arlequín, Pedrolino, Pantalone, Scaramuccia y Pulcinella.
En el romántico siglo XIX en Francia, asistido por las ideas de Víctor Hugo se fortalece este arte con célebres actuaciones de los hermanos Jean-Gaspard y Jean-Charles Debureau y a Paul Legrand. Iniciado el siglo XX, Louis Rouffe, Severin Cafferra y Georges Wague dieron un nuevo impulso, con sus creaciones del Pierrot, a la pantomima clásica ahora llamada pantomima blanca, que agotó todas sus posibilidades hasta terminar ahogada en sus propias limitaciones, salvada ante el redescubrimiento del movimiento del cuerpo humano y la revalorización de una nueva visión y consolidarse como La Pantomima Moderna, definida ahora como el arte de expresar sentimientos y no un medio de expresar palabras a través de gestos.

Marcell Marceau, nacido en Estrasburgo el 22 de marzo de 1923 y en 1944 entró, junto con su hermano mayor, en la resistencia contra la ocupación de Francia por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, después de que su padre, de origen judío, fuera detenido y deportado al campo de exterminio de Auschwitz, donde murió. Fue precisamente durante esa contienda, y para escapar a la persecución antisemita, cuando cambió su apellido original Mangel por Marceau y se hizo celebre con sus pantomimas.



En el siglo XX, un maestro francés, Étienne Decroux, academiza esta disciplina de donde surge el mítico Marcel Marceau, creador del personaje Bip, han sido mimos de excepción. Los actores de cine mudo de principios de siglo, en especial Charles Cháplin y Buster Keaton, actores que basaron su trabajo por entero en las técnicas de mimo para trasmitir sus historias.

En el siglo XX el mimo drama ha continuado representándose en diversos países del mundo. En Francia Jean Louis Barrault presenta varios espectáculos de pantomima moderna y protagoniza la película de Marcel Carné “Los infantes del Paraíso” que es la vida el mimo Jean Gaspard Batiste Deborau mas adelante comienzas las giras internacionales de Marcel Marceau. En los años veinte con el crecimiento teatral norteamericano orientado por el maestro Erwin Piscator en el Taller Dramático de la New School for Social Research estudiaban los que después fueron estrellas como Marlon Brando, Tennessee Williams, y en esta academia surgió el ejercicio del mimo moderno con Anthony Curtís donde la escuela tenía dos teatros que presentaron espectáculos públicos casi todas las noches de la semana y se mostró como un teatro experimental .El coreógrafo Ted Shawn, visitó e invitó allí a Curtis a trabajar en su colonia de baile en Massachusetts, Jacob's Pillow de donde surge una serie de espectáculos de verdadera vanguardia de Teatro de Movimiento. En Estados Unidos se consolidó el American Mime Theatre que es la más antigua compañía de mimo profesional en el mundo. En Polonia, Henryk Tomaszewski, creador del teatro de Pantomima de Wroclaw. En Francia, la Cia de Etienne Decroix y en Italia, el Picolo Teatro de Milan, en Barcelona el maestro polaco Pawel Rouba, en Checoslovaquia, en el Teatro La Baranda del director Ladislav Fialka, En Suiza el gran clown Dimitri. En México Juan Gabriel Moreno, Sigfrido Aguilar, Alberto Stanley y en Cuba un movimiento creado por Olga Flora y Ramón finalmente Ramón Díaz director del Teatro de Pantomima de Cuba y después de Mexi Son . La Escuela Argentina de Mimo, Expresión y Comunicación Corporal fue fundada en 1967 por su actual director, el maestro Ángel Elizondo que cuenta con 40 años de existencia ininterrumpida, El mimo italiano Jerome Murat ha sorprendido con sus giras de efectos de máscaras en muchos escenarios internacionales.
Actualmente se celebran festivales de pantomima en muchos países del mundo, donde los mimos se encuentran ante el entusiasmo de su público. Los efectos lumínicos han enriquecido este espectáculo de imagen gracias a los avances tecnológicos provenientes de la idea de la linterna mágica.